“Una notte a New York” e la pratica dell’oversharing


Una notte a New York, film d’esordio di Christy Hall che nasce come un’opera teatrale, assistiamo all’incontro tra un tassista newyorkese, Clark, e una ragazza di ritorno dall’Oklahoma, Girlie, che velocemente instaurano uno scambio sincero, fatto di provocazioni e reciproca autenticità. La struttura dell’opera rimanda all’intimità tipica di un palcoscenico, trasposta però sullo schermo, che permette alla conversazione di procedere fino all’oversharing, insinuando lentamente una curiosità nel pubblico: ma cos’è, esattamente, che crea questa connessione tra due persone sconosciute?


Il film porta così a riflettere sui meccanismi delle interazioni sociali, che, secondo questa ricerca dell’Università del Sussex, sembrerebbero sollevare l’umore, l’energia e il benessere generale, creando un senso di appartenenza condivisa. Gli stessi protagonisti arrivano a discutere delle dinamiche del giudizio e della percezione che scaturiscono da un incontro: tendenzialmente, una persona estranea si farà un’idea di noi basata su caratteristiche esterne e superficiali (come il colore della pelle o il modo in cui vestiamo), ma, il fatto che non conosca niente di noi, può portarla a smantellare o alleggerire possibili pregiudizi piuttosto velocemente, soprattutto tramite il modo in cui decidiamo di raccontarci e le informazioni che noi le forniamo – le quali, anche se inventate, possono plasmare o manipolare la sua idea di noi.

oversharing Una notte a new york recensione film dakota johnson girlie


Ognuno di noi, nel conoscere qualcuno di nuovo, attiva infatti inconsapevolmente i propri bias per cercare di decifrare e interpretare quella persona. E nei primi minuti di corsa del taxi è Clark ad applicare questi schemi per tentare di delineare la personalità della cliente: nota che lei non usa il cellulare, concludendo che questo la rende più umana, e quando viene a conoscenza che la sua professione è quella della programmatrice, le confessa di aspettarsi un lavoro più “femminile” – tradendo una visione marcatamente binaria e piuttosto retrograda. E allora perché, nonostante tutte queste proiezioni l’uno verso l’altra, i due riescono comunque a creare una connessione così autentica? Lo studio sopracitato afferma che i pregiudizi nei confronti di persone estranee sono spesso meno profondi e meno radicati rispetto a quelli che proiettiamo invece su chi conosciamo da molto tempo, verso cui abbiamo sviluppato strutture di pensiero ormai consolidate; idee che ci portano ad approcciare le loro azioni in modo prevenuto e pregiudiziale, sulla base di loro pattern comportamentali che nel tempo abbiamo visto reiterarsi e di nostre aspettative che proiettiamo. Questa dinamica è spesso una gabbia nei rapporti di lunga data, perché rende faticoso per chi ci è accanto notare il già faticoso lavoro di cambiamento e trasformazione che eventualmente decidiamo di esercitare su certi aspetti di noi, portando loro a non valorizzarlo e noi a sentire il peso del giudizio ancora prima che venga (eventualmente) espresso.


Confidarci con qualcuno che non conosciamo, quindi, può rivelarsi a volte più semplice e in una certa misura liberatorio, in quanto né noi né loro possiamo prevedere le reciproche reazioni, né proiettare le proprie aspettative, con la consapevolezza che le sue risposte e i suoi pareri non saranno dettati da convinzioni radicalizzatesi nel corso del tempo. Il parere di qualcuno che ci conosce, in sostanza, ci ferisce di più perché abbiamo paura di riconoscervi della verità – trasformandolo in giudizio, anche quando spesso non è quello il caso. Con queste premesse, il dialogo tra i due protagonisti si trasforma velocemente in una sfida su chi svelerà la verità più intima e inconfessabile, richiamando il fenomeno dell’oversharing – quelle situazioni altamente memabili in cui ci ritroviamo a strabordare con la condivisione di nostre informazioni personali. Sentirci a nostro agio nell’esprimerci con qualcuno è un’occasione preziosa, ed ecco che ne approfittiamo finendo a raccontare la storia della nostra vita a una ragazza conosciuta nel bagno di un locale. Ma l’esperienza dell’oversharing ha radici in stati d’animo ben più profondi e complessi, come riportato da questo articolo, e spesso si verifica durante periodi di forte stress, di tendenze depressive o l’attraversamento di un trauma emotivo, nel tentativo di trovare una compensazione. Tuttavia, questa dinamica ci lascia la sensazione di aver avuto uno scambio non equo né arricchente, anzi, nel momento in cui si realizza di aver condiviso troppo, spesso ci assale l’imbarazzo e la voglia di rimangiarci tutto. Negli ultimi anni la Gen Z ha riempito il web con meme di questo, ma l’ovesharing ha a che fare solo con le nuove generazioni?

Una notte a new york recensione film sean penn oversharing


A differenza del film in cui la distanza di età tra i protagonisti non crea alcuna barriera nella comunicazione, molti trend online vertono sulla difficoltà delle nuove generazioni di interagire con quelle che le hanno precedute, nella vita privata ma anche nei luoghi di lavoro. TikTok pullula di meme a riguardo, come quello in cui si compara lo slang della Gen Z e quello della generazione Millennial. Soprattutto, la generazione che stava costruendo le basi della socializzazione e dei rapporti interpersonali proprio durante la pandemia ha sentito l’impatto delle restrizioni per quanto riguarda comunicazione, negoziazione, public speaking e risoluione dei conflitti; argomento che i creator di tutto il mondo hanno sfruttato ampiamente, come in questo trend. Sono infatti numerosi gli studi che indagano il fenomeno, come questo articolo, che parla di quanto la pandemia abbia influito non solo sui disturbi legati all’ansia sociale, ma anche su dinamiche che riguardano la struttura della comunità, dei gruppi e della condivisione.


Le frasi motivazionali da boomer, diventate funny quote stampate su tazze e cuscini della generazione Millennial e degenerate nella “positività tossica” di cui si parla in questo articolo, sono un’altra risposta all’incapacità di negoziare con la collettività, respingendo ogni feedback esterno così da chiudersi in sé e non intraprendere un lavoro interiore complesso che ha bisogno della relazione con l’esterno, necessario all’individuazione del proprio centro di gravità, di una comfort zone solida che parte da dentro di noi e si struttura nel dialogo con l’esterno. Perché “è proprio all’interno del mito dell’autonomia che si sono formate le norme del patriarcato, e per questo l’unica risposta è la cultura della cura che non considera la dipendenza come una fragilità o una malattia, un limite a definirsi, ma una modalità costitutiva di ogni soggettività che vive in relazione alle altre soggettività. L’essere con è la condizione esistenziale di ogni soggettività” – citando Astri Amari. Ed ecco che l’oversharing, agito con consapevolezza e consenso, può diventare una pratica radicale di inversione della tendenza dominante, in cui l’apertura bidirezionale verso l’altro “sfida non solo la dicotomia capitalista tra ‘autonomia’ e ‘dipendenza’ ma anche quella tra ‘successo’ e ‘fallimento'”.

“La nave sepolta” e la possibilità di sopravvivere al tempo

Basato sulla vera storia degli scavi di Sutton Hoo e sull’omonimo libro di John Preston, La Nave Sepolta (disponibile su Netflix) è un film crepuscolare, lento e introspettivo, che si concretizza in un racconto corale incentrato sulla memoria che resta dopo la morte o quanto meno sulla sopravvivenza della vita oltre certi limiti del tempo e della storia. Al centro c’è uno scavo archeologico, avvenuto nel Suffolk nel 1939, alle soglie del conflitto mondiale, durante il quale venne ritrovata un’antica nave del VII secolo, sepolcro rituale del Re vichingo Raedwald. Una scoperta straordinaria che permise non solo di riportare a galla un vero e proprio tesoro sepolto, ma anche di far luce su un periodo e una civiltà ritenuta fino ad allora barbara e incivile, priva di cultura e di significative espressioni di arte. Quel tesoro, tenuto nascosto per tutta la durata della guerra all’interno di una stazione della metropolitana di Londra, avrebbe fatto la sua comparsa solo diversi anni più tardi al British Museum, attraverso una donazione della Signora Pretty – interpretata magistralmente nel film da una pacata quanto sofferta Carey Mulligan.

Diretto dal registra australiano Simon Stone con un cast inglese d’eccezione in cui spiccano Ralph Phiennes, Lily James e Johnny Flynn, il film rende omaggio alla cultura e alla storia, intese come dimensioni che dovrebbero essere accessibili a qualunque essere umano e non relegate a un lusso e un privilegio per pochi. Il regista muove così un’efficace quanto sottile critica allo snobismo intellettuale delle istituzioni accademiche e museali, ormai consolidate e retrograde, spocchiosamente ignoranti in tutto il film (incluso il British Museum), incapaci di apprezzare il valore del singolo, come nel caso dell’archeologo autodidatta Basil Brown (Ralph Phiennes), responsabile della scoperta e della datazione della nave, nonché di condividere fino in fondo quella cultura e quel sapere di cui si arrogano il diritto di porsi come detentori e simbolo. Ed è così la vedova Pretty, proprietaria del terreno, a ergersi a vera promotrice della cultura dalle ampie e moderne vedute, decidendo spontaneamente, dopo l’acquisita potestà in tribunale del tesoro ritrovato, di donarlo gratuitamente al British Museum, affinché dopo la guerra possa divenire un motivo di conoscenza, identità e curiosità per l’intera nazione. La Nave Sepolta, film sottilmente rivoluzionario, tratteggia la Signora Pretty come donna femminista ante litteram, e lo stesso vale per Peggy Piggott (Lily James), donna quanto mai esperta nel suo lavoro ma disprezzata e sottovalutata per il suo sesso, rinchiusa in un matrimonio privo di passione con un collega forse omosessuale ma decisa a emanciparsi non solo dimostrando il proprio talento ma scegliendo liberamente di non sottostare più a un’unione infelice e degradante.

Delicato, profondo, ben recitato e moderno, il film fa uso del grandangolo a restituire la gravità della narrazione, indugiando sui vasti orizzonti dai colori caldi e le tinte ocra, crepuscolari, che pervadono un Suffolk incontaminato, vergine, fatto di campi e spazi in cui gente semplice vive lontana da ogni ipocrisia, via dalle presunzioni di una società troppo “imparata”.  La sceneggiatura di Moira Buffini tesse un film di contrasti, in cui i destini dei personaggi si intrecciano in una stessa missione, nella stessa corsa contro il tempo, minata dall’avvicinarsi incombente della guerra e della morte. La morte che, sotto forma di guerra, si avvicina quasi a sfiorare il piccolo gruppo di ricercatori spersi nelle campagne del Suffolk, indulge nella malattia degenerativa della signora Pretty e infine si affaccia nelle sembianze della stessa nave funeraria, strappata alla terra dalle mani esperte del Signor Brown.

Il tema centrale del film è infatti la celebrazione della vita e la possibilità della vita eterna, non in senso strettamente religioso ma in forma più sottile: la scoperta archeologica rappresenta una possibilità, una speranza mai perduta di trascendere o superare il mare del tempo. Ne emerge una riflessione sul valore riscoperto della storia e dell’archeologia come qualcosa di cui l’uomo, al di là della sua caducità, ha sempre fatto parte e sempre ne farà, sin dai tempi delle caverne, divenendo così immortale. All’affacciarsi della guerra, della morte, della perdita, tutti i personaggi sembrano porsi la stessa domanda: cosa rimarrà di me, cosa mi lascerò dietro? L’unica parvenza di risposta concreta pare provenire dal giovane Robert Pretty, il quale, consapevole della malattia della madre, la conduce in un mistico viaggio tra le stelle per farle capire che lei, la Regina della nave, lì dovrà attenderlo, in eterno cristallizzata nella costellazione di Orione. Ma sarà attraverso la scoperta della nave, attraverso il contributo alla storiografia inglese, che i personaggi della Signora Pretty e di Basil Brown vivranno in eterno, i loro nomi incisi sui cartellini del British Museum. 

Cosa guardare su MUBI a marzo

MUBI è una cineteca online dove guardare, scoprire e parlare di cinema d’autore proveniente da tutto il mondo. La selezione dei titoli è affidata a una redazione di esperti del settore, che si occupano di costruire un vero e proprio percorso curatoriale cinematografico.


Per aiutarvi a orientarvi in questa sterminata cineteca online, qui trovate una nostra lista di titoli da non perdere sulla piattaforma; tra nuovi sguardi, perle del passato da riscoprire e titoli che ci hanno colpito in giro per i festival di tutto il mondo.

Matt e Mara, Kazik Radwanski, Canada, 2024 (Cartellone)

Mara ritrova dopo anni un vecchio compagno di college, Matt, con cui riscopre da subito un’intensa connessione. Il rapporto tra i due, nonostante svariate complicanze, cresce e porta entrambi a continue riflessioni su come questo possa definire la loro persona. Un film che riflette sulle forme che può assumere l’amore, su cosa può insegnarci e cosa può farci scoprire di noi, diventando strumento di una ricerca di sé che, per Mara, passerà attraverso il rapporto con Matt.

Grand Theft Hamlet, Pinny Grylls, Sam Crane, UK, 2024 (Cartellone)

Grand Theft Hamlet è la folle impresa di due amici, attori di teatro, che scelgono di portare in scena Amleto nel mondo di GTA; un’idea nata durante la pandemia, periodo in cui i due, disoccupati, si rifugiano dal caos del mondo nell’altrettanto caotico – ma fittizio – mondo Grand Theft Auto Online. Il percorso di Grylls e Crane inizia reclutando attori all’interno della modalità online del gioco, cercando di convincerli, con molte complicazioni, a partecipare alla loro creazione. Documentando il tutto, riescono a creare un progetto che vuole essere portavoce del ruolo dell’arte e della cultura in tempo di crisi.

Amore e Rabbia, Marco Bellocchio, Bernardo Bertolucci, Pier Paolo Pasolini, Carlo Lizzani, Jean-Luc Godard, Italia, Francia, 1969 (Videoteca)

Un’opera collettiva che esplora il dissenso e la crisi degli anni Sessanta. I registi indagano l’indifferenza sociale e il tormento della fede, contrapponendo l’innocenza dell’essere umano alla brutalità della Storia. Se Godard destruttura il linguaggio dell’amore e della politica, Bellocchio accende il dibattito rivoluzionario. Un’opera frammentaria e intensa, che non offre risposte ma pone interrogativi, lasciandoci con il peso delle nostre domande.

La antena, Esteban Sapir, Argentina, 2007 (Videoteca)

In un futuro prossimo, gli abitanti di una città hanno perso l’uso della voce e si ritrovano sotto il controllo di MrTv, una sorta di dittatore mediatico che proietta sullo schermo, come didascalie, le loro opinioni, i loro pensieri e le loro riflessioni personali. Un film denso di simbolismi, in cui riecheggia la storia dell’Argentina e della dittatura peronista: non potersi esprimere, essere privati non solo della propria voce ma anche di pensieri e parole, rappresenta il clima di terrore caratterizzante di ogni dittatura.

Medicina per la malinconia, Barry Jenkins, USA, 2008 (Videoteca)

Il primo lungometraggio di Barry Jenkins racconta la storia d’amore di un giorno fra Micah e Jo, due giovani bohémien che vivono a San Francisco. Si instaura così un’intrigante dinamiche tra i due, che esplorano la città mentre discutono di quelle che sono le loro relazioni reciproche, di discriminazioni etniche, gentrificazione e integrazione sociale.

L’uomo che cadde sulla Terra, Nicolas Roeg, UK, 1976 (Videoteca)

Un’opera visionaria e malinconica sull’alienazione. David Bowie interpretal l’enigmatico Thomas Jerome Newton, un alieno giunto sulla Terra per salvare il pianeta, ma che finisce per soccombere alle tentazioni umane. Il sogno di tornare a casa si sgretola tra alcol, denaro e manipolazioni governative. Con una narrazione frammentata e immagini ipnotiche, Roeg costruisce una riflessione amara sul consumismo e la perdita di identità. Un film affascinante e disturbante, sospeso tra realtà e allucinazione.

Parasite, Bong Joon Ho, Corea del Sud, 2019 (Videoteca)

La lotta di classe è il tema centrale nel pluripremiato film di Bong Joon Ho, in cui una famiglia povera riesce, grazie al figlio minore, a riscattarsi e a migliorare la propria condizione sociale; a quale costo, però? Un film che porta a interrogarsi sui confini della moralità e che non smette di stupire con colpi di scena che non offrono mai risposte ma sollevano tutti una cruciale domanda: chi è il vero parassita nella nostra società?

Tempo per Amare, Metin Erksan, Turchia, 1965 (Videoteca)

Un dramma intenso e poetico sull’amore impossibile. La storia segue l’incontro tra un giovane pittore e una donna ricca, la cui relazione è segnata da differenze sociali e un destino avverso. Con un uso magistrale del bianco e nero, Erksan esplora il tema del desiderio e del sacrificio con una delicatezza struggente. Un’opera raffinata e malinconica, che lascia un segno grazie alla sua forza visiva e emotiva.

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Delicato, profondo, ben recitato e moderno, il film fa uso del grandangolo a restituire la gravità della narrazione, indugiando sui vasti orizzonti dai colori caldi e le tinte ocra, crepuscolari, che pervadono un Suffolk incontaminato, vergine, fatto di campi e spazi in cui gente semplice vive lontana da ogni ipocrisia, via dalle presunzioni di una società troppo “imparata”.  La sceneggiatura di Moira Buffini tesse un film di contrasti, in cui i destini dei personaggi si intrecciano in una stessa missione, nella stessa corsa contro il tempo, minata dall’avvicinarsi incombente della guerra e della morte. La morte che, sotto forma di guerra, si avvicina quasi a sfiorare il piccolo gruppo di ricercatori spersi nelle campagne del Suffolk, indulge nella malattia degenerativa della signora Pretty e infine si affaccia nelle sembianze della stessa nave funeraria, strappata alla terra dalle mani esperte del Signor Brown.

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Parasite, Bong Joon Ho, Corea del Sud, 2019 (Videoteca)

La lotta di classe è il tema centrale nel pluripremiato film di Bong Joon Ho, in cui una famiglia povera riesce, grazie al figlio minore, a riscattarsi e a migliorare la propria condizione sociale; a quale costo, però? Un film che porta a interrogarsi sui confini della moralità e che non smette di stupire con colpi di scena che non offrono mai risposte ma sollevano tutti una cruciale domanda: chi è il vero parassita nella nostra società?

Tempo per Amare, Metin Erksan, Turchia, 1965 (Videoteca)

Un dramma intenso e poetico sull’amore impossibile. La storia segue l’incontro tra un giovane pittore e una donna ricca, la cui relazione è segnata da differenze sociali e un destino avverso. Con un uso magistrale del bianco e nero, Erksan esplora il tema del desiderio e del sacrificio con una delicatezza struggente. Un’opera raffinata e malinconica, che lascia un segno grazie alla sua forza visiva e emotiva.

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