Appunti dal XVII Milano International Film Festival (MIFF)

Giunto alla sua XVII edizione, il Milano International Film Festival (MIFF) è un’occasione unica per entrare in contatto con un cinema diverso da quello che abitualmente anima le nostre sale. Ospitato negli spazi del cinema Anteo, il Festival mostra infatti i migliori prodotti del cinema indipendente provenienti da tutto il mondo, proiettando per il pubblico i titoli vincitori dei prestigiosi Cavalli di Leonardo. Spettatori attenti e curiosi hanno così la possibilità di assistere a una carrellata di pellicole anche molto distanti tra loro per sensibilità, temi e linguaggio – dal cortometraggio al documentario – uniti da ciò che il direttore della manifestazione Andrea Galante definisce i “veri effetti speciali”: storie capaci di toccare i sentimenti, di far divertire e riflettere al tempo stesso.

Si spazia da Tutto quello che vuoi (Francesco Bruni, Italia, 2017), premiato come Miglior Film Italiano, al russo Waiting for Charlotte de Corday (Alexander Atanesyan, 2017) storia di un fotografo in crisi diviso tra due donne, impreziosita dal bianco e nero che imita l’estetica della fotografia di moda e dalla scenografia (premiata come la migliore del festival).

La punta di diamante della rassegna, con tre premi vinti e una possibile candidatura ai prossimi Oscar in rappresentanza del Venezuela, è Tamara (Elia K. Schneider, Venezuela/Francia, 2016), che tratta di un professore di diritto e del suo percorso per diventare donna. Forte dell’intensissima storia vera da cui è tratto (con un cammeo della vera protagonista),il film vive dell’interpretazione di Luis Fernandez, premiato con il Cavallo di Leonardo, la cui maggiore difficoltà (a suo dire) è stata quella di indossare un tacco 12. Il racconto nasce dal continuo dialogo tra i diversi reparti tecnici, guidati dalla regia riconosciuta come la migliore dalla giuria del MIFF.

Come ha avuto modo di raccontare il direttore della fotografia Petr Chikart, le lunghe inquadrature venivano pensate in base ai movimenti degli attori e non imposte loro dal pensiero del regista; un modo di lavorare più simile al teatro che al cinema, e che dà agli interpreti spazio per esprimersi. Il terzo premio, infine, è stato vinto dalla colonna sonora firmata da Osvaldo Montes, traduzione in musica dei pensieri della regista. Il cast, presente alla premiazione, ha dedicato i premi alla libertà della loro terra, il Venezuela, attualmente teatro dei durissimi scontri tra gli oppositori del regime di Maduro e le forze di polizia.

The Good Catholic (USA, 2017), scritto e diretto da Paul Shoulberg, si è dimostrato meritevole del premio per la Miglior Sceneggiatura. La pellicola riesce ad affrontare in modo esaustivo e non troppo serioso il tema delicato dell’amore nel sacerdozio, ambientandola vicenda in un’atmosfera leggera da romantic comedy. The Good Catholic parla di relazioni umane e di compassione senza chiamare in causa i social network, rendendo così la pellicola una mosca bianca in un’epoca che sembra essersi dimenticata che Facebook non è l’unica forma di comunicazione.

La Sezione Cortometraggi ha regalato visioni originali e innovative condensate in una durata inferiore ai trenta minuti. La ventiquattrenne Arianna del Grosso si è aggiudicata il premio per il Miglior corto italiano con Candie Boy (2016), film nato dall’esigenza di affrontare in maniera originale il tema dell’omosessualità. La grande idea della sceneggiatura è quella di ribaltare i luoghi comuni, mettendo in scena due genitori aperti progressisti che entrano in crisi quando il figlio chiede loro in regalo una bambola. Divertente e profondo al tempo stesso, Candie Boy sfoggia una scrittura intelligente e una regia matura che dirige in modo impeccabile gli attori e non ha paura di concedergli lunghe inquadrature per amplificare l’intensità delle interpretazioni.

All’insegna del Girl Power è anche il libanese In White (Dania Bdeir, 2016), vincitore della categoria Cortometraggi Internazionali 0-15 minuti. La pellicola racconta del ritorno a casa di una ragazza libanese in seguito alla morte del padre. Mentre si susseguono i riti per il lutto, emergono lentamente tutti i conflitti interni alla famiglia. La giovane regista Dana Abdeir firma anche la sceneggiatura, capace di raccontare le complesse sfaccettature umane e dei rapporti interpersonali usando pochissime parole, mentre tratteggia sottotesto una riflessione politica sul mondo arabo. Montaggio, sonoro e fotografia contribuiscono a calare lo spettatore nello stato d’animo della protagonista ed enfatizzano le sue emozioni grazie all’uso della luce, che sfonda dalle finestre creando immagini offuscate della consistenza dei ricordi.

Il MIFF è un’esperienza unica che permette di entrare in contatto con oggetti rari, con film e autori lontani dal grande pubblico e tuttavia capaci di portare voci nuove all’orecchio di chi è disposto ad ascoltarle.

Francesco Cirica e Filippo Fante

“La nave sepolta” e la possibilità di sopravvivere al tempo

Contributo 08/04/2021

Basato sulla vera storia degli scavi di Sutton Hoo e sull’omonimo libro di John Preston, La Nave Sepolta (disponibile su Netflix) è un film crepuscolare, lento e introspettivo, che si concretizza in un racconto corale incentrato sulla memoria che resta dopo la morte o quanto meno sulla sopravvivenza della vita oltre certi limiti del tempo e della storia. Al centro c’è uno scavo archeologico, avvenuto nel Suffolk nel 1939, alle soglie del conflitto mondiale, durante il quale venne ritrovata un’antica nave del VII secolo, sepolcro rituale del Re vichingo Raedwald. Una scoperta straordinaria che permise non solo di riportare a galla un vero e proprio tesoro sepolto, ma anche di far luce su un periodo e una civiltà ritenuta fino ad allora barbara e incivile, priva di cultura e di significative espressioni di arte. Quel tesoro, tenuto nascosto per tutta la durata della guerra all’interno di una stazione della metropolitana di Londra, avrebbe fatto la sua comparsa solo diversi anni più tardi al British Museum, attraverso una donazione della Signora Pretty – interpretata magistralmente nel film da una pacata quanto sofferta Carey Mulligan.

Diretto dal registra australiano Simon Stone con un cast inglese d’eccezione in cui spiccano Ralph Phiennes, Lily James e Johnny Flynn, il film rende omaggio alla cultura e alla storia, intese come dimensioni che dovrebbero essere accessibili a qualunque essere umano e non relegate a un lusso e un privilegio per pochi. Il regista muove così un’efficace quanto sottile critica allo snobismo intellettuale delle istituzioni accademiche e museali, ormai consolidate e retrograde, spocchiosamente ignoranti in tutto il film (incluso il British Museum), incapaci di apprezzare il valore del singolo, come nel caso dell’archeologo autodidatta Basil Brown (Ralph Phiennes), responsabile della scoperta e della datazione della nave, nonché di condividere fino in fondo quella cultura e quel sapere di cui si arrogano il diritto di porsi come detentori e simbolo. Ed è così la vedova Pretty, proprietaria del terreno, a ergersi a vera promotrice della cultura dalle ampie e moderne vedute, decidendo spontaneamente, dopo l’acquisita potestà in tribunale del tesoro ritrovato, di donarlo gratuitamente al British Museum, affinché dopo la guerra possa divenire un motivo di conoscenza, identità e curiosità per l’intera nazione. La Nave Sepolta, film sottilmente rivoluzionario, tratteggia la Signora Pretty come donna femminista ante litteram, e lo stesso vale per Peggy Piggott (Lily James), donna quanto mai esperta nel suo lavoro ma disprezzata e sottovalutata per il suo sesso, rinchiusa in un matrimonio privo di passione con un collega forse omosessuale ma decisa a emanciparsi non solo dimostrando il proprio talento ma scegliendo liberamente di non sottostare più a un’unione infelice e degradante.

Delicato, profondo, ben recitato e moderno, il film fa uso del grandangolo a restituire la gravità della narrazione, indugiando sui vasti orizzonti dai colori caldi e le tinte ocra, crepuscolari, che pervadono un Suffolk incontaminato, vergine, fatto di campi e spazi in cui gente semplice vive lontana da ogni ipocrisia, via dalle presunzioni di una società troppo “imparata”. La sceneggiatura di Moira Buffini tesse un film di contrasti, in cui i destini dei personaggi si intrecciano in una stessa missione, nella stessa corsa contro il tempo, minata dall’avvicinarsi incombente della guerra e della morte. La morte che, sotto forma di guerra, si avvicina quasi a sfiorare il piccolo gruppo di ricercatori spersi nelle campagne del Suffolk, indulge nella malattia degenerativa della signora Pretty e infine si affaccia nelle sembianze della stessa nave funeraria, strappata alla terra dalle mani esperte del Signor Brown.

Il tema centrale del film è infatti la celebrazione della vita e la possibilità della vita eterna, non in senso strettamente religioso ma in forma più sottile: la scoperta archeologica rappresenta una possibilità, una speranza mai perduta di trascendere o superare il mare del tempo. Ne emerge una riflessione sul valore riscoperto della storia e dell’archeologia come qualcosa di cui l’uomo, al di là della sua caducità, ha sempre fatto parte e sempre ne farà, sin dai tempi delle caverne, divenendo così immortale. All’affacciarsi della guerra, della morte, della perdita, tutti i personaggi sembrano porsi la stessa domanda: cosa rimarrà di me, cosa mi lascerò dietro? L’unica parvenza di risposta concreta pare provenire dal giovane Robert Pretty, il quale, consapevole della malattia della madre, la conduce in un mistico viaggio tra le stelle per farle capire che lei, la Regina della nave, lì dovrà attenderlo, in eterno cristallizzata nella costellazione di Orione. Ma sarà attraverso la scoperta della nave, attraverso il contributo alla storiografia inglese, che i personaggi della Signora Pretty e di Basil Brown vivranno in eterno, i loro nomi incisi sui cartellini del British Museum.

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Redazione 1977 21/12/2025

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“La nave sepolta” e la possibilità di sopravvivere al tempo

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