Ladri di biciclette a Cannes 71: il racconto del reale

“È uno dei primi esempi di cinema puro. Niente più attori, niente più storia, niente più messa in scena, cioè finalmente nell’illusione estetica perfetta della realtà: niente più cinema”. Basterebbero queste parole del critico francese André Bazin per cogliere l’essenza di uno dei film più rappresentativi del neorealismo italiano: Ladri di biciclette. Tutto accadde grazie all’incontro, avvenuto nel 1943 sul set de I bambini ci guardano, tra il regista Vittorio De Sica e lo sceneggiatore Cesare Zavattini. Quest’ultimo teorizzò l’idea di un “cinema del pedinamento”: ogni attimo della giornata di un uomo ha la sua importanza rivelatrice, non serve trasfigurarlo in una storia, basta limitarsi a riprendere la quotidianità così come accade. Ed è questa la poetica di fondo di Ladri di biciclette.

Il film usciva il 24 novembre 1948. Oggi, a quasi 70 anni di distanza, il Festival di Cannes ha deciso di riportarlo sul grande schermo in versione restaurata, grazie al laboratorio “L’immagine Ritrovata” promosso dalla Fondazione Cineteca di Bologna. La pellicola riscosse immediatamente un ampio consenso nel mondo intellettuale, ma incontrò una strenua opposizione da parte dell’opinione pubblica, ai tempi piuttosto conservatrice. La stampa cattolica si scagliò contro il soggetto, accusandolo di essere filo comunista ed eccessivamente laico. Se parte della critica si adoperò per difenderlo, per ragioni sia politiche (l’analisi sociale) che estetiche (l’estremo realismo), alcuni critici di sinistra lamentarono la mancanza di una netta presa di posizione che denunciasse la lotta di classe. All’estero, invece, la pellicola venne subito accolta come un capolavoro, e nel 1949 vinse l’Oscar per il Miglior film straniero e il Premio speciale della Giuria al Festival di Locarno.

In Ladri di biciclette la coppia De Sica-Zavattini mette in scena la poetica zavattiniana, ovvero l’incondizionato racconto del reale, attraverso un allineamento graduale tra il tempo della storia e il tempo del racconto, che sembrano coincidere. La vicenda ha infatti una struttura chiusa e compatta: pochi personaggi (Antonio, Bruno e Maria) svolgono un’unica attività, quella di ritrovare la bicicletta che gli è appena stata rubata.

Ma l’organizzazione temporale è solo uno degli aspetti del pedinamento zavattiniano. Anche la scelta dei piani e dei movimenti di macchina ricopre un ruolo essenziale. In buona parte del film la macchina da presa si tiene lontana dagli attori, così da evitare di guidare lo sguardo dello spettatore e di creare effetti drammatici. L’obiettivo di De Sica si mantiene a distanza, come se si trovasse lì soltanto per registrare una storia che si racconta da sola.

Ladri di biciclette è un film sulla situazione italiana nel periodo post-bellico. Seguendo i protagonisti Antonio (Lamberto Maggiorani) e suo figlio Bruno (Enzo Staiola) si vaga tra le vie di Roma, dove predomina l’arte dell’arrangiarsi, dove la disonestà e la furbizia si ergono a leggi morali. Il rapporto padre e figlio in questo contesto si fa drammatico e tiene viva la componente sentimentale della vicenda: Antonio lotta per salvare se stesso, ma soprattutto per salvare suo figlio dalla povertà. Un dramma che tocca il proprio apice nella scena finale: uscito dal labirinto della malavita, Antonio si avvia con il figlio lungo la buia strada della disperazione. Antonio e Bruno camminano di spalle in mezzo alla folla ma più soli che mai, strozzati dalle difficoltà della vita.

De Sica e Zavattini hanno creato un’opera che parla di povertà e abbandono, di lotta per l’esistenza e di ingiustizia sociale, ma è anche la fotografia di un’Italia che sta cambiando e che cerca di uscire dalla miseria, arrangiandosi con quel poco che ha. Oggi Ladri di biciclette funziona ancora come collante tra il nostro presente e il nostro passato, per non dimenticare chi eravamo e per non dimenticare che la vita può essere essenziale in ogni suo attimo.

Mattia Migliarino

“La nave sepolta” e la possibilità di sopravvivere al tempo

Contributo 08/04/2021

Basato sulla vera storia degli scavi di Sutton Hoo e sull’omonimo libro di John Preston, La Nave Sepolta (disponibile su Netflix) è un film crepuscolare, lento e introspettivo, che si concretizza in un racconto corale incentrato sulla memoria che resta dopo la morte o quanto meno sulla sopravvivenza della vita oltre certi limiti del tempo e della storia. Al centro c’è uno scavo archeologico, avvenuto nel Suffolk nel 1939, alle soglie del conflitto mondiale, durante il quale venne ritrovata un’antica nave del VII secolo, sepolcro rituale del Re vichingo Raedwald. Una scoperta straordinaria che permise non solo di riportare a galla un vero e proprio tesoro sepolto, ma anche di far luce su un periodo e una civiltà ritenuta fino ad allora barbara e incivile, priva di cultura e di significative espressioni di arte. Quel tesoro, tenuto nascosto per tutta la durata della guerra all’interno di una stazione della metropolitana di Londra, avrebbe fatto la sua comparsa solo diversi anni più tardi al British Museum, attraverso una donazione della Signora Pretty – interpretata magistralmente nel film da una pacata quanto sofferta Carey Mulligan.

Diretto dal registra australiano Simon Stone con un cast inglese d’eccezione in cui spiccano Ralph Phiennes, Lily James e Johnny Flynn, il film rende omaggio alla cultura e alla storia, intese come dimensioni che dovrebbero essere accessibili a qualunque essere umano e non relegate a un lusso e un privilegio per pochi. Il regista muove così un’efficace quanto sottile critica allo snobismo intellettuale delle istituzioni accademiche e museali, ormai consolidate e retrograde, spocchiosamente ignoranti in tutto il film (incluso il British Museum), incapaci di apprezzare il valore del singolo, come nel caso dell’archeologo autodidatta Basil Brown (Ralph Phiennes), responsabile della scoperta e della datazione della nave, nonché di condividere fino in fondo quella cultura e quel sapere di cui si arrogano il diritto di porsi come detentori e simbolo. Ed è così la vedova Pretty, proprietaria del terreno, a ergersi a vera promotrice della cultura dalle ampie e moderne vedute, decidendo spontaneamente, dopo l’acquisita potestà in tribunale del tesoro ritrovato, di donarlo gratuitamente al British Museum, affinché dopo la guerra possa divenire un motivo di conoscenza, identità e curiosità per l’intera nazione. La Nave Sepolta, film sottilmente rivoluzionario, tratteggia la Signora Pretty come donna femminista ante litteram, e lo stesso vale per Peggy Piggott (Lily James), donna quanto mai esperta nel suo lavoro ma disprezzata e sottovalutata per il suo sesso, rinchiusa in un matrimonio privo di passione con un collega forse omosessuale ma decisa a emanciparsi non solo dimostrando il proprio talento ma scegliendo liberamente di non sottostare più a un’unione infelice e degradante.

Delicato, profondo, ben recitato e moderno, il film fa uso del grandangolo a restituire la gravità della narrazione, indugiando sui vasti orizzonti dai colori caldi e le tinte ocra, crepuscolari, che pervadono un Suffolk incontaminato, vergine, fatto di campi e spazi in cui gente semplice vive lontana da ogni ipocrisia, via dalle presunzioni di una società troppo “imparata”. La sceneggiatura di Moira Buffini tesse un film di contrasti, in cui i destini dei personaggi si intrecciano in una stessa missione, nella stessa corsa contro il tempo, minata dall’avvicinarsi incombente della guerra e della morte. La morte che, sotto forma di guerra, si avvicina quasi a sfiorare il piccolo gruppo di ricercatori spersi nelle campagne del Suffolk, indulge nella malattia degenerativa della signora Pretty e infine si affaccia nelle sembianze della stessa nave funeraria, strappata alla terra dalle mani esperte del Signor Brown.

Il tema centrale del film è infatti la celebrazione della vita e la possibilità della vita eterna, non in senso strettamente religioso ma in forma più sottile: la scoperta archeologica rappresenta una possibilità, una speranza mai perduta di trascendere o superare il mare del tempo. Ne emerge una riflessione sul valore riscoperto della storia e dell’archeologia come qualcosa di cui l’uomo, al di là della sua caducità, ha sempre fatto parte e sempre ne farà, sin dai tempi delle caverne, divenendo così immortale. All’affacciarsi della guerra, della morte, della perdita, tutti i personaggi sembrano porsi la stessa domanda: cosa rimarrà di me, cosa mi lascerò dietro? L’unica parvenza di risposta concreta pare provenire dal giovane Robert Pretty, il quale, consapevole della malattia della madre, la conduce in un mistico viaggio tra le stelle per farle capire che lei, la Regina della nave, lì dovrà attenderlo, in eterno cristallizzata nella costellazione di Orione. Ma sarà attraverso la scoperta della nave, attraverso il contributo alla storiografia inglese, che i personaggi della Signora Pretty e di Basil Brown vivranno in eterno, i loro nomi incisi sui cartellini del British Museum.

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Redazione 1977 21/12/2025

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