La drammatica leggerezza della vita: Bande à part

Il montaggio accelerato mostra i tre volti dei protagonisti mentre il titolo a caratteri cubitali piano piano si compone sullo schermo, accompagnato dalla musica frenetica di Michel Legrand. Datato 1964 e riproposto in versione restaurata a metà febbraio 2018 nelle sale italiane, Bande à part riporta lo spettatore agli esordi della Nouvelle Vague, che nel 1964 aveva appena raggiunto l’apice estetico con il film precedente di Godard, Le Mépris (1963). C’è qualcosa che Bande à part è riuscito a cogliere più degli altri film della Nuova Onda francese: la drammatica leggerezza della vita, con i suoi amori, le sue bighellonate e la sua musica.

Gli scorci di una Parigi invernale sono una presenza costante e sempre piacevole nei film del regista, e non smettono mai di incantare, ma, a differenza di Fino all’ultimo respiro (1960), i luoghi in cui si svolge la vicenda di Bande à part non sono i centri urbani storici della città, come gli Champs-Élysées (immortalati con un long take magistrale che sottolinea la bellezza del viale alberato parigino), bensì le periferie della metropoli, che infondono alla storia le caratteristiche di un noir drammatico in cui la filosofia dell’arrangiarsi è l’unico credo. Il film unisce queste suggestioni agli stilemi dei gangster movie americani (genere molto caro a Godard) nel raccontare la vicenda di due ragazzi, Arthur (Claude Brasseur) e Franz (Sami Frey), amanti della vita facile e poco propensi a cercare un lavoro. L’incontro di Odile (Anna Karina) li porta a creare una banda piuttosto discutibile e, tutti insieme, decidono di rubare una consistente somma di denaro con cui realizzare i propri sogni.

Il colpo ideato dai ragazzi è lo scheletro su cui si basa il soggetto del film, ma Godard sceglie di raccontare anche tutto ciò che gira intorno ai tre personaggi: i loro sentimenti, i loro caratteri e i loro pensieri. La voce narrante è affidata alla voice over di Godard, che non perde occasione per ricordare allo spettatore che sta assistendo a una proiezione cinematografica, impedendogli di calarsi nell’illusione cinematografica. Così, a dieci minuti dall’inizio del film, lo si sente dire: “Per gli spettatori che sono entrati in questo momento in sala…”, prima di offrire un breve riassunto di ciò che si è visto fino a quel momento: per aiutare i ritardatari a entrare nel mondo dell’illusione e tutti gli altri a uscirne.

La sequenza centrale del film è la più esilarante. I tre amici, in attesa che scocchi l’ora del colpo, si concedono una visita contro il tempo al museo del Louvre, correndo all’impazzata per le sale (scena che sarà poi ripresa da Bertolucci in The Dreamers – I sognatori nel 2003): una critica ironica alla cultura di massa con le sue visite guidate e allo stesso tempo una volontaria dissacrazione del tempio dell’arte. Pur non essendo il film più amato dallo stesso Godard, Bande à Part è stato per i registi futuri una grande fonte d’ispirazione, non solo per il sopracitato Bertolucci. Si pensi a Quentin Tarantino, che riprende evidentemente il film nella famosissima scena del ballo nel bistrot di Pulp Fiction (1994). Ed è sempre Tarantino che sceglie di chiamare la sua prima casa di produzione cinematografica “A Band Apart”, in omaggio alla pellicola di Godard. Bande à part ha influenzato anche altri registi d’oltreoceano come Robert Altman e Martin Scorsese. Ma a sua volta vive d’influenze, come quelle di Truffaut e Rohmer. La capacità dell’opera di donare e ricevere suggestioni a e da diverse pellicole e registi sottolinea l’importanza che riveste ancora oggi per la settima arte.

Mattia Migliarino

“La nave sepolta” e la possibilità di sopravvivere al tempo

Contributo 08/04/2021

Basato sulla vera storia degli scavi di Sutton Hoo e sull’omonimo libro di John Preston, La Nave Sepolta (disponibile su Netflix) è un film crepuscolare, lento e introspettivo, che si concretizza in un racconto corale incentrato sulla memoria che resta dopo la morte o quanto meno sulla sopravvivenza della vita oltre certi limiti del tempo e della storia. Al centro c’è uno scavo archeologico, avvenuto nel Suffolk nel 1939, alle soglie del conflitto mondiale, durante il quale venne ritrovata un’antica nave del VII secolo, sepolcro rituale del Re vichingo Raedwald. Una scoperta straordinaria che permise non solo di riportare a galla un vero e proprio tesoro sepolto, ma anche di far luce su un periodo e una civiltà ritenuta fino ad allora barbara e incivile, priva di cultura e di significative espressioni di arte. Quel tesoro, tenuto nascosto per tutta la durata della guerra all’interno di una stazione della metropolitana di Londra, avrebbe fatto la sua comparsa solo diversi anni più tardi al British Museum, attraverso una donazione della Signora Pretty – interpretata magistralmente nel film da una pacata quanto sofferta Carey Mulligan.

Diretto dal registra australiano Simon Stone con un cast inglese d’eccezione in cui spiccano Ralph Phiennes, Lily James e Johnny Flynn, il film rende omaggio alla cultura e alla storia, intese come dimensioni che dovrebbero essere accessibili a qualunque essere umano e non relegate a un lusso e un privilegio per pochi. Il regista muove così un’efficace quanto sottile critica allo snobismo intellettuale delle istituzioni accademiche e museali, ormai consolidate e retrograde, spocchiosamente ignoranti in tutto il film (incluso il British Museum), incapaci di apprezzare il valore del singolo, come nel caso dell’archeologo autodidatta Basil Brown (Ralph Phiennes), responsabile della scoperta e della datazione della nave, nonché di condividere fino in fondo quella cultura e quel sapere di cui si arrogano il diritto di porsi come detentori e simbolo. Ed è così la vedova Pretty, proprietaria del terreno, a ergersi a vera promotrice della cultura dalle ampie e moderne vedute, decidendo spontaneamente, dopo l’acquisita potestà in tribunale del tesoro ritrovato, di donarlo gratuitamente al British Museum, affinché dopo la guerra possa divenire un motivo di conoscenza, identità e curiosità per l’intera nazione. La Nave Sepolta, film sottilmente rivoluzionario, tratteggia la Signora Pretty come donna femminista ante litteram, e lo stesso vale per Peggy Piggott (Lily James), donna quanto mai esperta nel suo lavoro ma disprezzata e sottovalutata per il suo sesso, rinchiusa in un matrimonio privo di passione con un collega forse omosessuale ma decisa a emanciparsi non solo dimostrando il proprio talento ma scegliendo liberamente di non sottostare più a un’unione infelice e degradante.

Delicato, profondo, ben recitato e moderno, il film fa uso del grandangolo a restituire la gravità della narrazione, indugiando sui vasti orizzonti dai colori caldi e le tinte ocra, crepuscolari, che pervadono un Suffolk incontaminato, vergine, fatto di campi e spazi in cui gente semplice vive lontana da ogni ipocrisia, via dalle presunzioni di una società troppo “imparata”. La sceneggiatura di Moira Buffini tesse un film di contrasti, in cui i destini dei personaggi si intrecciano in una stessa missione, nella stessa corsa contro il tempo, minata dall’avvicinarsi incombente della guerra e della morte. La morte che, sotto forma di guerra, si avvicina quasi a sfiorare il piccolo gruppo di ricercatori spersi nelle campagne del Suffolk, indulge nella malattia degenerativa della signora Pretty e infine si affaccia nelle sembianze della stessa nave funeraria, strappata alla terra dalle mani esperte del Signor Brown.

Il tema centrale del film è infatti la celebrazione della vita e la possibilità della vita eterna, non in senso strettamente religioso ma in forma più sottile: la scoperta archeologica rappresenta una possibilità, una speranza mai perduta di trascendere o superare il mare del tempo. Ne emerge una riflessione sul valore riscoperto della storia e dell’archeologia come qualcosa di cui l’uomo, al di là della sua caducità, ha sempre fatto parte e sempre ne farà, sin dai tempi delle caverne, divenendo così immortale. All’affacciarsi della guerra, della morte, della perdita, tutti i personaggi sembrano porsi la stessa domanda: cosa rimarrà di me, cosa mi lascerò dietro? L’unica parvenza di risposta concreta pare provenire dal giovane Robert Pretty, il quale, consapevole della malattia della madre, la conduce in un mistico viaggio tra le stelle per farle capire che lei, la Regina della nave, lì dovrà attenderlo, in eterno cristallizzata nella costellazione di Orione. Ma sarà attraverso la scoperta della nave, attraverso il contributo alla storiografia inglese, che i personaggi della Signora Pretty e di Basil Brown vivranno in eterno, i loro nomi incisi sui cartellini del British Museum.

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Redazione 1977 21/12/2025

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