James Dean, il ribelle senza una causa

1. “Blue jeans, white shirt… It was like James Dean, for shure”

Molto tempo prima di diventare un attore acclamato e un eterno sex symbol, James Dean si fece notare nell’ambito teatrale (frequentò l’Actor Studios) e come comparsa per il piccolo schermo. La sua grande occasione arrivò nel 1954, quando Dean fu ingaggiato da Elia Kazan per La valle dell’Eden, interpretando la parte del sensibile e irrequieto Cal Trask. Lo stesso anno fu scritturato per il ruolo che lo consacrò come icona degli anni Cinquanta: Jim Stark in Gioventù bruciata di Nicholas Ray. Nel pieno del successo, a soli sei mesi dall’uscita de La valle dell’Eden, l’attore si schiantò con la sua Porsche sulla Route 466 in California. Ma che cosa rese James Dean un’icona?

2. “Hollywood is under me. I’m Martin Sheen, I’m Steve McQueen, I’m Jimmy Dean”

Ciò che colpì Kazan e Ray fu la capacità di James Dean di calarsi perfettamente nei ruoli che gli venivano assegnati. Ne La valle dell’Eden, la scena dell’abbraccio tra padre e figlio fu talmente convincente (proprio come le lacrime del protagonista) da essere inserita nel montaggio finale, nonostante fosse stata improvvisata e la sceneggiatura non la prevedesse. Ma fu con Gioventù bruciata che si affermò il mito di Dean. Il film trae spunto dallo scritto Ribelle senza causa: analisi di uno psicopatico criminale (1944), dello psichiatra Robert Lindner, che sotto forma di diario giornaliero psicanalizza un giovane detenuto. L’idea geniale del regista fu quella di adattare il libro a una sceneggiatura che raccontasse del tipico ragazzo della porta accanto, ma incapace di contenere le proprie pulsioni. Jim Stark è un giovane di buona famiglia che attraversa una serie di inquietudini fino ad avvicinarsi alle compagnie più pericolose della città. James Dean, come avvenne per la precedente pellicola, si immedesimò completamente nel ruolo, interpretando in maniera convincente un adolescente sregolato e temerario dallo sguardo irrequieto, che risponde a monosillabi e fatica a interagire con la propria famiglia.

3. “You were the lowdown rebel if there ever was, even if you had no cause, James Dean, you said it all so clean”

Associando spettacolarizzazione e introspezione psicologica come veicolo di denuncia sociale, la pellicola affronta una serie di tematiche stratificate, tra le quali padroneggia il desiderio di ribellione dei giovani, che nel caso di Jim Stark è causato da un disagio sociologico: la generazione dei suoi genitori aveva conosciuto i conflitti mondiali e sognava un “ritorno alle origini”, mentre quella di Jim trova retrogradi questi ideali, che alimentano una nostalgia per un passato ormai scomparso. L’inquietudine interiore di Jim, esternata apparentemente senza ragione, mescola vitalità e istintività, simbolo delle ossessioni di un’intera generazione. Emerge così la solitudine dell’uomo moderno e le difficoltà della lotta dell’individuo, che si vede costretto ad adattarsi alla società. Anche l’avvicinamento tra Jim e Judy (Natalie Wood) non viene rappresentato come una storia d’amore, ma si tratta di un legame di reciproca comprensione, tra due individui incapaci di integrarsi nella società. L’uscita di Gioventù bruciata, che cadde un mese dopo la morte di Dean, rese immediata l’identificazione tra l’attore e il personaggio. In una società dominata dal puritanesimo, il giovane impulsivo che infrange le regole al grido di “Sogna come se dovessi vivere per sempre, vivi come se dovessi morire oggi” diventa il caposaldo del movimento di ribellione e coolness a cui verrà associato pochi mesi dopo Elvis Presley.

4. “Greta Garbo, and Monroe, Dietrich and DiMaggio, Marlon Brando, Jimmy Dean on the cover of a magazine”

Hollywood incoronò una nuova stella, capace di sopravvivere a più generazioni lasciando immutata la propria immagine. James Dean non colpì tanto per il senso di ribellione romantica legato alla sua biografia, quanto piuttosto per la sua poliedricità fatta di contrasti: la durezza del ragazzo di strada insofferente alle convenzioni borghesi contrapposto a una spiccata sensibilità, il machismo contrapposto alla presunta bisessualità. Il giovane con giubbotto rosso, t-shirt bianca e blue jeans diventò l’archetipo di chi come la Jackie di Lou Reed vorrà vivere velocemente.

5. “Just speeding away. Thought she was James Dean for a day”

La popolarità intergenerazionale di James Dean è dovuta anche ai diversi biopic televisivi incentrati su di lui, come James Dean, che fece ottenere a James Franco nel 2001 un Golden Globe, James Dean di Stephen McHattie (1976) e James Dean: Race with Destiny con Casper Van Dien (1997). Più popolare è il documentario di Robert Altman – allora agli esordi – The James Dean Story, uscito a due anni dall’anniversario della morte dell’attore. Ultimo in ordine cronologico, Life, che si concentra sugli aspetti intimi e privati celati dietro all’icona, allontanandosi dai canoni biografici. La regia di Anton Corbjin ricalca la prospettiva del fotografo Dennis Stock (Robert Pattinson), alle prese con un servizio su James Dean (Dane DeHaan) per “Life”, alla vigilia dell’uscita de La valle dell’Eden. Dean viene dipinto come una figura bizzarra e impenetrabile, che non accetta la manipolazione mediatica hollywoodiana, tuttavia ne emergono la fragilità, il senso di solitudine e l’insicurezza che, celata dietro all’arroganza, emerge solo nei momenti passati insieme alla famiglia e al fotografo, donando allo spettatore una versione inedita del divo.

“Essere un bravo attore non è facile. Essere un uomo è ancora più difficile. Prima che sia finito voglio riuscire a fare entrambe le cose”. A distanza di più di sessant’anni possiamo affermare, con un pizzico di malinconia, che ci è riuscito.

Daniela Addea

“La nave sepolta” e la possibilità di sopravvivere al tempo

Contributo 08/04/2021

Basato sulla vera storia degli scavi di Sutton Hoo e sull’omonimo libro di John Preston, La Nave Sepolta (disponibile su Netflix) è un film crepuscolare, lento e introspettivo, che si concretizza in un racconto corale incentrato sulla memoria che resta dopo la morte o quanto meno sulla sopravvivenza della vita oltre certi limiti del tempo e della storia. Al centro c’è uno scavo archeologico, avvenuto nel Suffolk nel 1939, alle soglie del conflitto mondiale, durante il quale venne ritrovata un’antica nave del VII secolo, sepolcro rituale del Re vichingo Raedwald. Una scoperta straordinaria che permise non solo di riportare a galla un vero e proprio tesoro sepolto, ma anche di far luce su un periodo e una civiltà ritenuta fino ad allora barbara e incivile, priva di cultura e di significative espressioni di arte. Quel tesoro, tenuto nascosto per tutta la durata della guerra all’interno di una stazione della metropolitana di Londra, avrebbe fatto la sua comparsa solo diversi anni più tardi al British Museum, attraverso una donazione della Signora Pretty – interpretata magistralmente nel film da una pacata quanto sofferta Carey Mulligan.

Diretto dal registra australiano Simon Stone con un cast inglese d’eccezione in cui spiccano Ralph Phiennes, Lily James e Johnny Flynn, il film rende omaggio alla cultura e alla storia, intese come dimensioni che dovrebbero essere accessibili a qualunque essere umano e non relegate a un lusso e un privilegio per pochi. Il regista muove così un’efficace quanto sottile critica allo snobismo intellettuale delle istituzioni accademiche e museali, ormai consolidate e retrograde, spocchiosamente ignoranti in tutto il film (incluso il British Museum), incapaci di apprezzare il valore del singolo, come nel caso dell’archeologo autodidatta Basil Brown (Ralph Phiennes), responsabile della scoperta e della datazione della nave, nonché di condividere fino in fondo quella cultura e quel sapere di cui si arrogano il diritto di porsi come detentori e simbolo. Ed è così la vedova Pretty, proprietaria del terreno, a ergersi a vera promotrice della cultura dalle ampie e moderne vedute, decidendo spontaneamente, dopo l’acquisita potestà in tribunale del tesoro ritrovato, di donarlo gratuitamente al British Museum, affinché dopo la guerra possa divenire un motivo di conoscenza, identità e curiosità per l’intera nazione. La Nave Sepolta, film sottilmente rivoluzionario, tratteggia la Signora Pretty come donna femminista ante litteram, e lo stesso vale per Peggy Piggott (Lily James), donna quanto mai esperta nel suo lavoro ma disprezzata e sottovalutata per il suo sesso, rinchiusa in un matrimonio privo di passione con un collega forse omosessuale ma decisa a emanciparsi non solo dimostrando il proprio talento ma scegliendo liberamente di non sottostare più a un’unione infelice e degradante.

Delicato, profondo, ben recitato e moderno, il film fa uso del grandangolo a restituire la gravità della narrazione, indugiando sui vasti orizzonti dai colori caldi e le tinte ocra, crepuscolari, che pervadono un Suffolk incontaminato, vergine, fatto di campi e spazi in cui gente semplice vive lontana da ogni ipocrisia, via dalle presunzioni di una società troppo “imparata”. La sceneggiatura di Moira Buffini tesse un film di contrasti, in cui i destini dei personaggi si intrecciano in una stessa missione, nella stessa corsa contro il tempo, minata dall’avvicinarsi incombente della guerra e della morte. La morte che, sotto forma di guerra, si avvicina quasi a sfiorare il piccolo gruppo di ricercatori spersi nelle campagne del Suffolk, indulge nella malattia degenerativa della signora Pretty e infine si affaccia nelle sembianze della stessa nave funeraria, strappata alla terra dalle mani esperte del Signor Brown.

Il tema centrale del film è infatti la celebrazione della vita e la possibilità della vita eterna, non in senso strettamente religioso ma in forma più sottile: la scoperta archeologica rappresenta una possibilità, una speranza mai perduta di trascendere o superare il mare del tempo. Ne emerge una riflessione sul valore riscoperto della storia e dell’archeologia come qualcosa di cui l’uomo, al di là della sua caducità, ha sempre fatto parte e sempre ne farà, sin dai tempi delle caverne, divenendo così immortale. All’affacciarsi della guerra, della morte, della perdita, tutti i personaggi sembrano porsi la stessa domanda: cosa rimarrà di me, cosa mi lascerò dietro? L’unica parvenza di risposta concreta pare provenire dal giovane Robert Pretty, il quale, consapevole della malattia della madre, la conduce in un mistico viaggio tra le stelle per farle capire che lei, la Regina della nave, lì dovrà attenderlo, in eterno cristallizzata nella costellazione di Orione. Ma sarà attraverso la scoperta della nave, attraverso il contributo alla storiografia inglese, che i personaggi della Signora Pretty e di Basil Brown vivranno in eterno, i loro nomi incisi sui cartellini del British Museum.

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Redazione 1977 21/12/2025

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