Martin Scorsese: Quando la macchina da presa si muove in periferia

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La New York degli anni Settanta è la città dei grandi viali affollati che avvicinano il cielo ai palazzi degli uomini di affari, dei vicoli che sanno di differenza e sopravvivenza, del melting pot etnico e di sogni. In questo contesto nasce il primo cinema di Martin Scorsese, che vede nel Queens l’emblema di chi, spinto dall’ossessione e dall’ambizione sociale, è pronto a tutto pur di uscire dal proprio quartiere o diventarne l’eroe. Figlio di questo spirito e protagonista della cosiddetta Hollywood Renaissance (periodo in cui le prime università cinematografiche americane cominciarono a sfornare talenti come mai prima), Scorsese diviene l’esponente di un cinema radicale in ogni suo aspetto, un cinema interessato agli ultimi, a chi è lasciato in fondo e cerca disperatamente un modo per risalire, un cinema che non offre una via d’uscita alle problematiche dei suoi personaggi ma cerca di rappresentarne semplicemente la realtà, che il cineasta chiama “illusione”.

Come in Mean Steets (USA, 1973), i protagonisti dei suoi racconti (embrioni di quei goodfellas che il suo cinema avrà modo di raccontare più avanti) cercano un modo per guadagnarsi una posizione sociale più elevata e uscire dalla povertà dei sobborghi metropolitani in cui vivono. La luce rossa che nel film bagna il Bar Volpe diviene così il sinonimo di peccati e tentazioni infernali ma sulla terra. In questo periodo il regista è ancora molto lontano dal sarcasmo sociale di The Wolf of Wall Street (USA, 2013) e dal capolavoro Gangs of New York (USA/Italia, 2002), girato quasi interamente a Cinecittà: è un periodo in cui sperimentare e osare diventano le parole d’ordine. Da qui nasce il cortometraggio The Big Shave (USA, 1967), una delle più selvagge e limpide immagini di protesta contro la guerra del Vietnam. L’ossessione del protagonista (un soldato rientrato dal conflitto) di voler vedere sempre più pulito il proprio volto fino a togliersi la pelle dell’intera faccia diventa l’equivalente della necessità di ripulire anche la propria coscienza.

Lo scorticamento dell’uomo fino a ridurlo alla sua essenza e insieme la volontà di raccontare la vita di personaggi ai margini della società diventa il connubio fondante del cinema di Scorsese. I due temi daranno vita a Taxi Driver (USA, 1978). Dopo gli sfarzi di Alice non abita più qui (USA, 1974), che valse l’Oscar a Ellen Burstyn come Miglior attrice protagonista, il cineasta newyorkese entra di diritto nella cerchia dei grandi di Hollywood. Taxi Driver è la consacrazione: non solo del talento di Scorsese, ma anche del rapporto tra lui e Robert De Nico, il suo attore feticcio per eccellenza. La collaborazione tra i due darà vita a una serie di pellicole che faranno la storia del cinema, come Quei bravi ragazzi (USA, 1990), dove predomina l’idea che fare il gangster sia una vocazione, e Casinò (USA, 1995).

In Taxi Driver le roventi strade di New York fanno da sfondo all’apparizione del silenzioso reduce del Vietnam Travis Bikcle (Robert De Niro), il cui volto da moicano ricorda quello che l’attore aveva ne La grande rasatura (USA, 1967), destinato a diventare l’icona del nuovo cinema americano. La tensione interiorizzata del personaggio, scandita dalla voice off, è in netta opposizione con l’illeggibilità dei suoi occhi. Figlio di un Paese illusorio che fonda la sua potenza sull’ambizione fine a se stessa, Travis è al di fuori da questa stessa logica ed è dunque destinato a una non-vita priva di sogni ma colma di pensieri che gli ronzano per la testa, gli stessi di chi ha perso ogni obiettivo. La solitudine del personaggio diventa una gabbia da cui non gli è possibile uscire, e il suo taxi è un occhio sulla periferia e sulle persone che vi ci abitano. La fotografia maniacale di Michael Chapman, unita alla colonna sonora diretta da Bernard Hermann (già collaboratore di Hitchcock per Psyco) creano l’atmosfera ideale per il dramma di questo “giustiziere della notte”.

Taxi Driver segna non soltanto la carriera di Martin Scorsese ma anche una cesura netta tra il cinema classico e il cinema moderno, che darà vita a un cambiamento radicale soprattutto nell’estetica della settima arte.

Mattia Migliarino

“La nave sepolta” e la possibilità di sopravvivere al tempo

Contributo 08/04/2021

Basato sulla vera storia degli scavi di Sutton Hoo e sull’omonimo libro di John Preston, La Nave Sepolta (disponibile su Netflix) è un film crepuscolare, lento e introspettivo, che si concretizza in un racconto corale incentrato sulla memoria che resta dopo la morte o quanto meno sulla sopravvivenza della vita oltre certi limiti del tempo e della storia. Al centro c’è uno scavo archeologico, avvenuto nel Suffolk nel 1939, alle soglie del conflitto mondiale, durante il quale venne ritrovata un’antica nave del VII secolo, sepolcro rituale del Re vichingo Raedwald. Una scoperta straordinaria che permise non solo di riportare a galla un vero e proprio tesoro sepolto, ma anche di far luce su un periodo e una civiltà ritenuta fino ad allora barbara e incivile, priva di cultura e di significative espressioni di arte. Quel tesoro, tenuto nascosto per tutta la durata della guerra all’interno di una stazione della metropolitana di Londra, avrebbe fatto la sua comparsa solo diversi anni più tardi al British Museum, attraverso una donazione della Signora Pretty – interpretata magistralmente nel film da una pacata quanto sofferta Carey Mulligan.

Diretto dal registra australiano Simon Stone con un cast inglese d’eccezione in cui spiccano Ralph Phiennes, Lily James e Johnny Flynn, il film rende omaggio alla cultura e alla storia, intese come dimensioni che dovrebbero essere accessibili a qualunque essere umano e non relegate a un lusso e un privilegio per pochi. Il regista muove così un’efficace quanto sottile critica allo snobismo intellettuale delle istituzioni accademiche e museali, ormai consolidate e retrograde, spocchiosamente ignoranti in tutto il film (incluso il British Museum), incapaci di apprezzare il valore del singolo, come nel caso dell’archeologo autodidatta Basil Brown (Ralph Phiennes), responsabile della scoperta e della datazione della nave, nonché di condividere fino in fondo quella cultura e quel sapere di cui si arrogano il diritto di porsi come detentori e simbolo. Ed è così la vedova Pretty, proprietaria del terreno, a ergersi a vera promotrice della cultura dalle ampie e moderne vedute, decidendo spontaneamente, dopo l’acquisita potestà in tribunale del tesoro ritrovato, di donarlo gratuitamente al British Museum, affinché dopo la guerra possa divenire un motivo di conoscenza, identità e curiosità per l’intera nazione. La Nave Sepolta, film sottilmente rivoluzionario, tratteggia la Signora Pretty come donna femminista ante litteram, e lo stesso vale per Peggy Piggott (Lily James), donna quanto mai esperta nel suo lavoro ma disprezzata e sottovalutata per il suo sesso, rinchiusa in un matrimonio privo di passione con un collega forse omosessuale ma decisa a emanciparsi non solo dimostrando il proprio talento ma scegliendo liberamente di non sottostare più a un’unione infelice e degradante.

Delicato, profondo, ben recitato e moderno, il film fa uso del grandangolo a restituire la gravità della narrazione, indugiando sui vasti orizzonti dai colori caldi e le tinte ocra, crepuscolari, che pervadono un Suffolk incontaminato, vergine, fatto di campi e spazi in cui gente semplice vive lontana da ogni ipocrisia, via dalle presunzioni di una società troppo “imparata”. La sceneggiatura di Moira Buffini tesse un film di contrasti, in cui i destini dei personaggi si intrecciano in una stessa missione, nella stessa corsa contro il tempo, minata dall’avvicinarsi incombente della guerra e della morte. La morte che, sotto forma di guerra, si avvicina quasi a sfiorare il piccolo gruppo di ricercatori spersi nelle campagne del Suffolk, indulge nella malattia degenerativa della signora Pretty e infine si affaccia nelle sembianze della stessa nave funeraria, strappata alla terra dalle mani esperte del Signor Brown.

Il tema centrale del film è infatti la celebrazione della vita e la possibilità della vita eterna, non in senso strettamente religioso ma in forma più sottile: la scoperta archeologica rappresenta una possibilità, una speranza mai perduta di trascendere o superare il mare del tempo. Ne emerge una riflessione sul valore riscoperto della storia e dell’archeologia come qualcosa di cui l’uomo, al di là della sua caducità, ha sempre fatto parte e sempre ne farà, sin dai tempi delle caverne, divenendo così immortale. All’affacciarsi della guerra, della morte, della perdita, tutti i personaggi sembrano porsi la stessa domanda: cosa rimarrà di me, cosa mi lascerò dietro? L’unica parvenza di risposta concreta pare provenire dal giovane Robert Pretty, il quale, consapevole della malattia della madre, la conduce in un mistico viaggio tra le stelle per farle capire che lei, la Regina della nave, lì dovrà attenderlo, in eterno cristallizzata nella costellazione di Orione. Ma sarà attraverso la scoperta della nave, attraverso il contributo alla storiografia inglese, che i personaggi della Signora Pretty e di Basil Brown vivranno in eterno, i loro nomi incisi sui cartellini del British Museum.

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Redazione 1977 21/12/2025

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