Cenerentola

Il nuovo film di Kenneth Branagh Cenerentola, sviluppa un intreccio ispirato in modo esplicito al cartone del 1950, del quale mantiene gli elementi iconografici, a loro volta ripresi dalla favola dei fratelli Grimm.

Cenerentola, che suscita immediatamente l’identificazione da parte del pubblico, come da copione è maltrattata dalla matrigna e di riflesso dalle sorellastre, unicamente impegnate nei reciproci litigi intorno al nulla, che modernamente incarnano l’antitesi della grazia e l’apoteosi del pacchiano. Unici amici della fanciulla sono gli animali, nonostante siano privi di parola e connotazioni umane all’infuori di quelle concessegli dal famosissimo incatesimo bibbidi bobbidi boo e la smemorata fata madrina, interpretata dall’incantevole Helena Bonham Carter, perfetta incarnazione di personaggi fiabeschi, ai quali però conferisce, attraverso espressioni e gestualità, un’eleganza totalmente folle e meravigliosamente macabra.

Ciò che attribuisce una personalità autonoma a questo live action movie è la complessità dei personaggi, che dell’originale favola e cartone animato conservano soltanto gli aspetti standard dei loro ruoli, punto di partenza per l’elaborazione di una psicologia ben più complessa.

Quasi improvvisamente appare la solenne figura della matrigna Lady Tremaine – interpreta dalla perfetta Cate Blanchett – raffinata, nobile solo all’apparenza e vittima della propria invidia. A causa delle proprie vicissitudini vede davanti a sé un destino di condanna alla sofferenza e, immersa nella preoccupazione per l’avvenire, comincia a nutrire un odio profondo nei confronti di Ella. Con grande sorpresa scopriamo la prima Cenerentola chiamata col proprio nome, a cui viene quindi attribuita un’identità diversa da quella di serva a cui siamo soliti, ingiustamente affibbiatale dalle sorellastre. Ed è esattamente questa identità “riesumata” a fare di Cenerentola un’eroina moderna e realistica, umile ma decisa a far valere i propri valori, ereditati dall’amata madre. Rilevante è infatti l’incontro tra Ella e Kit – il giovane principe innamorato del suo regno e fortemente legato al padre – nel bosco, dove per eccellenza dimorano la magia e le forze irrazionali, che da quel momento prenderanno dimora nel cuore dei due protagonisti, così lontani di rango, ma talmente affini da cancellare in una sola scena qualsiasi ostacolante differenza. L’incanto del bosco ritorna anche al termine del famosissimo ballo regale: questa volta si svolge in un giardino segreto, che evoca, seppur molto lontanamente, l’atmosfera enigmatica del parco della Regina di Cuori in Alice in Wonderland di Tim Burton, rappresentato con un’attenzione al dettaglio maniacale e un sapore d’inquietudine surreale ineguagliabile. Qui Branagh, a differenza dell’innocente cartone animato, inserisce tra Ella e Kit un pizzico di erotismo, seppur dimesso e non insistente.

Se l’infanzia di Cenerentola è stata condita con troppo zucchero e tonnellate di miele, tali da rischiare il diabete e da suscitare il riso – forse per rendere meno traumatica per i bambini la sofferenza di Ella nel rimanere improvvisamente orfana e prigioniera di un “castello abitato da streghe” – la sua giovinezza con la storia d’amore che permea di romanticismo l’intera pellicola, scorre con ritmi incalzanti, pieni di sorprese e riuscendo a creare suspance anche in chi conosce a memoria il destino di Cenerentola. La tragicità ha nel film lo spazio che merita e la magia ruba la scena al realismo grazie ai preziosismi delle scenografie, curate da Dante Ferretti: l’ambientazione parigina di metà ottocento, gli abiti sfarzosi e i veri gioielli utilizzati per la realizzazione della carrozza e delle scarpette di cristallo.

Branagh ci offre una ricostruzione fedele della famosa fiaba, arricchendola di elementi innovativi che lasciano spazio a svariate interpretazioni per nulla scontate. Realizza così un film magico e piacevolissimo, adatto a ogni tipologia di pubblico: un viaggio nei nostalgici abissi dell’infanzia, finalmente riportata in vita.

Federica Romanò

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“La nave sepolta” e la possibilità di sopravvivere al tempo

Contributo 08/04/2021

Basato sulla vera storia degli scavi di Sutton Hoo e sull’omonimo libro di John Preston, La Nave Sepolta (disponibile su Netflix) è un film crepuscolare, lento e introspettivo, che si concretizza in un racconto corale incentrato sulla memoria che resta dopo la morte o quanto meno sulla sopravvivenza della vita oltre certi limiti del tempo e della storia. Al centro c’è uno scavo archeologico, avvenuto nel Suffolk nel 1939, alle soglie del conflitto mondiale, durante il quale venne ritrovata un’antica nave del VII secolo, sepolcro rituale del Re vichingo Raedwald. Una scoperta straordinaria che permise non solo di riportare a galla un vero e proprio tesoro sepolto, ma anche di far luce su un periodo e una civiltà ritenuta fino ad allora barbara e incivile, priva di cultura e di significative espressioni di arte. Quel tesoro, tenuto nascosto per tutta la durata della guerra all’interno di una stazione della metropolitana di Londra, avrebbe fatto la sua comparsa solo diversi anni più tardi al British Museum, attraverso una donazione della Signora Pretty – interpretata magistralmente nel film da una pacata quanto sofferta Carey Mulligan.

Diretto dal registra australiano Simon Stone con un cast inglese d’eccezione in cui spiccano Ralph Phiennes, Lily James e Johnny Flynn, il film rende omaggio alla cultura e alla storia, intese come dimensioni che dovrebbero essere accessibili a qualunque essere umano e non relegate a un lusso e un privilegio per pochi. Il regista muove così un’efficace quanto sottile critica allo snobismo intellettuale delle istituzioni accademiche e museali, ormai consolidate e retrograde, spocchiosamente ignoranti in tutto il film (incluso il British Museum), incapaci di apprezzare il valore del singolo, come nel caso dell’archeologo autodidatta Basil Brown (Ralph Phiennes), responsabile della scoperta e della datazione della nave, nonché di condividere fino in fondo quella cultura e quel sapere di cui si arrogano il diritto di porsi come detentori e simbolo. Ed è così la vedova Pretty, proprietaria del terreno, a ergersi a vera promotrice della cultura dalle ampie e moderne vedute, decidendo spontaneamente, dopo l’acquisita potestà in tribunale del tesoro ritrovato, di donarlo gratuitamente al British Museum, affinché dopo la guerra possa divenire un motivo di conoscenza, identità e curiosità per l’intera nazione. La Nave Sepolta, film sottilmente rivoluzionario, tratteggia la Signora Pretty come donna femminista ante litteram, e lo stesso vale per Peggy Piggott (Lily James), donna quanto mai esperta nel suo lavoro ma disprezzata e sottovalutata per il suo sesso, rinchiusa in un matrimonio privo di passione con un collega forse omosessuale ma decisa a emanciparsi non solo dimostrando il proprio talento ma scegliendo liberamente di non sottostare più a un’unione infelice e degradante.

Delicato, profondo, ben recitato e moderno, il film fa uso del grandangolo a restituire la gravità della narrazione, indugiando sui vasti orizzonti dai colori caldi e le tinte ocra, crepuscolari, che pervadono un Suffolk incontaminato, vergine, fatto di campi e spazi in cui gente semplice vive lontana da ogni ipocrisia, via dalle presunzioni di una società troppo “imparata”. La sceneggiatura di Moira Buffini tesse un film di contrasti, in cui i destini dei personaggi si intrecciano in una stessa missione, nella stessa corsa contro il tempo, minata dall’avvicinarsi incombente della guerra e della morte. La morte che, sotto forma di guerra, si avvicina quasi a sfiorare il piccolo gruppo di ricercatori spersi nelle campagne del Suffolk, indulge nella malattia degenerativa della signora Pretty e infine si affaccia nelle sembianze della stessa nave funeraria, strappata alla terra dalle mani esperte del Signor Brown.

Il tema centrale del film è infatti la celebrazione della vita e la possibilità della vita eterna, non in senso strettamente religioso ma in forma più sottile: la scoperta archeologica rappresenta una possibilità, una speranza mai perduta di trascendere o superare il mare del tempo. Ne emerge una riflessione sul valore riscoperto della storia e dell’archeologia come qualcosa di cui l’uomo, al di là della sua caducità, ha sempre fatto parte e sempre ne farà, sin dai tempi delle caverne, divenendo così immortale. All’affacciarsi della guerra, della morte, della perdita, tutti i personaggi sembrano porsi la stessa domanda: cosa rimarrà di me, cosa mi lascerò dietro? L’unica parvenza di risposta concreta pare provenire dal giovane Robert Pretty, il quale, consapevole della malattia della madre, la conduce in un mistico viaggio tra le stelle per farle capire che lei, la Regina della nave, lì dovrà attenderlo, in eterno cristallizzata nella costellazione di Orione. Ma sarà attraverso la scoperta della nave, attraverso il contributo alla storiografia inglese, che i personaggi della Signora Pretty e di Basil Brown vivranno in eterno, i loro nomi incisi sui cartellini del British Museum.

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Redazione 1977 21/12/2025

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“La nave sepolta” e la possibilità di sopravvivere al tempo

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